Créé par Pierre Boulez en 1976 avec l’appui de Michel Guy (alors secrétaire d’État à la Culture) et la collaboration de Nicholas Snowman, l’Ensemble intercontemporain réunit 31 solistes partageant une même passion pour la musique du vingtième siècle à aujourd’hui.
 Constitués en groupe permanent, ils participent aux missions de diffusion, de transmission et de création fixées dans les statuts de l’Ensemble. 
Placés sous la direction musicale du compositeur et chef d’orchestre Matthias Pintscher depuis septembre 2013 (succédant ainsi à Susanna Mällki, directrice musicale de 2006 à juillet 2013) ils collaborent, aux côtés des compositeurs, à l’exploration des techniques instrumentales ainsi qu’à des projets associant musique, danse, théâtre, cinéma, vidéo et arts plastiques.

L’Ensemble intercontemporain © Luc Hossepied

Chaque année, l’Ensemble commande et joue de nouvelles œuvres, qui viennent enrichir son répertoire et s’ajouter aux chefs-d’œuvre du vingtième siècle. 
En collaboration avec l’Institut de recherche et coordination acoustique/musique (Ircam), l’Ensemble intercontemporain participe à des projets incluant des nouvelles techniques de génération du son.
 Les spectacles musicaux pour le jeune public, les activités de formation des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs ainsi que les nombreuses actions de sensibilisation des publics, traduisent un engagement profond et internationalement reconnu au service de la transmission et de l’éducation musicale.
 Depuis 2004, les solistes de l’Ensemble participent en tant que tuteurs à la Lucerne Festival Academy, session annuelle de formation de plusieurs semaines pour des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs du monde entier.
 En résidence à la Cité de la musique (Paris) depuis 1995, l’Ensemble se produit et enregistre en France et à l’étranger où il est invité par de grands festivals internationaux. 
Financé par le ministère de la Culture et de la Communication, l’Ensemble reçoit également le soutien de la Ville de Paris. L’Ensemble intercontemporain a été reconnu « Ambassadeur culturel européen » en 2012 par la Commission européenne.

Compositeur et chef d’orchestre, l’un des principaux interprètes du répertoire contemporain, Péter Eötvös est né en Transylvanie et revendique son appartenance à la culture musicale hongroise, restant très attaché en particulier à l’art de Bartók, Kodaly, Kurtág et Ligeti.

Diplômé de l’Académie de musique de Budapest, il poursuit ses études musicales en Allemagne, à la Hochschule für Musik de Cologne. Il rencontre Karlheinz Stockhausen et, entre 1968 et 1976, se produit avec son ensemble et participe aux activités du studio de musique électronique de la Westdeutscher Rundfunk de Cologne.

En 1978, sur l’invitation de Pierre Boulez, il dirige le concert inaugural de l’Ircam. Il est ensuite nommé directeur musical de l’Ensemble intercontemporain (avec lequel il crée Chinese Opera [1986]) position qu’il occupe jusqu’en 1991.

Peter Eötvös © Klaus Rudolph

En 1991, il fonde l’International Eötvös Institute and Foundation pour les jeunes chefs d’orchestre et compositeurs. De 1992 à 1998, il est professeur à la Hochschule für Musik à Karlsruhe. Il la quitte pour enseigner à la Hochschule für Musik de Cologne avant d’y revenir en 2002.

Parallèlement à son importante carrière de chef d’orchestre et à son activité de pédagogue, Péter Eötvös compose de nombreuses pièces, marquées aussi bien par son expérience auprès de Stockhausen – Cricketmusic (1970), Elektrochronik, (1974) – que par son travail aux côtés de Boulez, et d’autres influences comme celle du jazz (Music for New York : improvisation pour saxophone soprano et percussion avec bande, 1971), ou de Frank Zappa (Psalm 151, In memoriam Frank Zappa, 1993).

Son œuvre est marquée dès le début de sa carrière par le cinéma et le théâtre auquel il destine ses premières compositions. Son expérience dans ce domaine se répercute sur la structure de ses grandes pièces orchestrales comme zeroPoints (1999), ainsi que dans ses opéras Three sisters (1997-1998), Le Balcon (2001-2002), Angels in America (2002-2004), Lady Sarashina (2007), Die Tragödie des Teufels (2009), Love and other demons (2011).

Hèctor Parra © Manu Theobald – EvSiemens

Après des études au Conservatoire Supérieur de Musique de Barcelone (Premiers Prix en Composition, en Piano, en Harmonie et en Direction de Chœurs), Hèctor Parra suit le Cursus de Composition et d’Informatique Musicale de l’Ircam puis se forme à Royaumont, au Centre Acanthes, à Takefu au Japon et à la Haute École de Musique de Genève auprès de Brian Ferneyhough, Jonathan Harvey, Michael Jarrell, Breat Furrer, Philippe Leroux, Philippe Manoury et Brice Pauset.

Il reçoit dès lors de nombreuses commandes émanant d’institutions comme les Ministères de la Culture de la France et de l’Espagne, l’Ircam, l’Ensemble intercontemporain, l’Académie des arts de Berlin, la Biennale d’Opéra de Munich, la WDR, le Mécénat Musical Société Générale, Contrechamps ou le Klangforum Wien. Il développe en outre des relations privilégiées avec des interprètes comme l’Ensemble Intercontemporain (Quasikristall, Caressant l’horizon, Hypermusic Prologue, Te craindre en ton absence), l’Ensemble Recherche (Abîme, Early Life) qui lui consacrera un CD monographique (Kairos, 2008), ou le Quatuor Arditti (Stasis, Fragments on fragility, Leaves of reality).
On retrouve ses pièces au programme des festivals internationaux de Lucerne, Avignon, Warsaw Autumn, Wien Modern, Donaueschingen, Witten, Wien Konzerthaus, Tokyo Suntory Hall, Agora-Ircam, Ars Musica (Bruxelles), Musica (Strasbourg), Opéra de Stuttgart, Gran Teatre del Liceu de Barcelone, San Sebastián, Traiettorie Parma, Steirischer Herbst de Graz, Muziekgebouw d’Amsterdam, Auditorio Nacional de Madrid et Auditori de Barcelone, Opera de Hoy et Musé Reina Sofía de Madrid, Festival International de Granada, Philharmonie Luxembourg, Zurich, Kings Place (Londres), Huddersfield, Guggenheim de New York…

Ses œuvres ont été jouées par de nombreux orchestres comme l’Ensemble Intercontemporain, la Tokyo Philharmonic, Brussels Philharmonic, l’Orchestre Philharmonique de Liège, Orchestre National de Barcelone – OBC, Orchestre National de Île de France ou le Holland Symfonia et par des préstigieux solistes, comme Arne Deforce, Nicolas Hodges ou Pierre Strauch.
Plusieurs prix sont décernés à ses œuvres : en 2011 le Prix de Composition Ernst von Siemens, en 2009, le Prix Tendances par le journal espagnol El Mundo, en 2007, le Earplay Donald Aird Memorial de San Francisco, en 2005, le prix Tremplin de l’Ircam et l’Ensemble Intercontemporain, et en 2002, le prix de Composition de l’Institut National de la Musique d’Espagne -INAEM.

Après une période de pratique active des arts plastiques (il a travaillé dans l’atelier de Francesc Miñarro à Barcelone) et de fascination pour la peinture, et notamment pour l’œuvre de El Greco et de Cézanne, dont il a cherché à rendre la texture picturale, Hèctor Parra se tourne pour son inspiration vers la physique théorique et la biologie évolutive, avec son opéra Hypermusic Prologue sur un livret de la physicienne Lisa Randall, créé en 2009 par l’Ensemble Intercontemporain dans le cadre du festival Agora de l’Ircam (Kairos, collection Sirènes, CD 0013042KAI, 2010), Stress Tensor, Mineral Life, Caressant l’Horizon et InFALL.
Ses œuvres sont publiées par Durand Editions Musicales –Universal Music Publishing Classical (Paris) et par Tritó Edicions (Barcelone).
Hèctor Parra est professeur de composition au Cursus de l’Ircam, et a été professeur en composition électroacoustique au Conservatoire Supérieur de Musique d’Aragon entre 2005 et 2011, a été professeur de la Cátedra de Composición Manuel de Falla de Cádiz en 2010 et a été professeur de composition à l’atelier de composition Voix Nouvelles 2011 de la Fondation Royaumont.

Robert Henke © Jimmy Mould

Ingénieur de formation, Robert Henke est fasciné par la beauté des objets techniques et se consacre à la conception, la construction et la performance de machines génératrices de sons, de formes et de structures. Le développement de ses propres instruments et algorithmes fait partie intégrante de son processus créatif. Il travaille sur un matériau composé d’images et de sons synthétisés par ordinateurs, d’enregistrements concrets, de photographies et de lumières, qu’il transforme, réarrange et module selon des procédés mathématiques, des interactions en temps réel et des opérations aléatoires. Robert Henke s’intéresse tout particulièrement à une exploration de l’espace, qu’il soit virtuel ou concret. Nombre de ses œuvres sont conçues pour un système audio multicanal ou spécialement pensées pour le lieu dans lequel elles seront exposées, en fonction de leurs propriétés spatiales propres. Le résultat relève à la fois de la musique contemporaine, du concert en son surround, de la composition au sens traditionnel de l’informatique musicale, de l’installation audiovisuelle, de l’art sonore in situ et du logiciel open source.

Robert Henke est en effet l’un des principaux créateurs du logiciel de musique Ableton Live, qui est devenu depuis son lancement en 1999 l’un des outils les plus largement utilisés dans le domaine de la production de musique électronique, jusqu’à redéfinir en profondeur cette pratique. En plus d’écrire et de donner des conférences sur l’usage créatif de l’ordinateur, Henke enseigne à l’Université des Arts de Berlin, au Centre de recherche informatique musique et acoustique (CCRMA) de Stanford University, et au Fresnoy – Studio national des arts contemporains à Lille.

Site de Robert Henke

Loïc Touzé intègre à dix ans l’école du Ballet de l’Opéra de Paris. À partir de 1982, il danse dans le corps de ballet, tout en participant à de nombreuses créations au sein du GRCOP dirigé par Jacques Garnier. Cela au point de préférer démissionner pour se tourner vers la Nouvelle Danse et rejoindre les projets de Carolyn Carlson, Mathilde Monnier – qui demeure l’une de ses complices artistiques –, Jean-François Duroure, Catherine Diverrès, Bernardo Montet (1986-1991). La fondation de sa propre compagnie avec Fabienne Compet (1992) engage une grande période exploratoire, aiguisée par la découverte, sur scène ou en stage, des apports de Dominique Bagouet (via Olivia Grandville), Julyen Hamilton (contact-improvisation). La version solo de Dans les allées, les allées… (1995) connaît un important succès, en posant et en questionnant les fondamentaux d’une écriture chorégraphique. On peut faire remonter à Morceau (2001-2005), pièce processus conçue en faisceau de micro-performances proliférantes, l’amorce de ce questionnement des modes d’engagement scénique. Aux côtés de Latifa Laâbissi – alors codirectrice de la compagnie 391 avec Loïc Touzé –, d’Yves-Noël Genod et Jennifer Lacey, Morceau prenait le parti de restituer les éléments qu’une écriture conventionnelle du spectacle conduit habituellement à délaisser. En 2003 Love, puis 9 en 2007, approfondissent la relation avec le plasticien Jocelyn Cottencin. Au cours de la saison 2009-2010, Loïc Touzé crée La chance au festival Mettre en scène (Rennes). La chance poursuit une recherche sur la relation, rien moins que donnée d’évidence, entre l’acte de danse tel que l’engage un interprète dans l’immédiateté du plateau, et le chorégraphique tel que celui-ci consiste à se projeter dans la mise en forme d’une écriture.

Loïc Touzé © Mahaut Clément

2010 : Loïc Touzé s’implante à Nantes. Il engage avec Anne Kerzerho, Autour de la Table. Ce projet interroge la pluralité des savoirs et pratiques sur le corps à l’aune de différents contextes culturels, et leur mise en échange dans l’espace public.

Pablo Galaz Salamanca © Claude Pavy

Né à Santiago du Chili en 1983, Pablo GALAZ SALAMANCA commence sa formation musicale en étudiant la guitare classique. Il décide finalement se consacrer pleinement à la composition et, en 2010, il obtient son Diplôme Supérieur en Composition à la Faculté des Arts de l´Université du Chili, où il a étudié avec Aliocha Solovera, Cirilo Vila et Jorge Pepi Alos. Grâce à une bourse du gouvernement français, il poursuit ses études de composition au CNSMPD dans la classe de Stefano Gervasoni. Ensuite, il participe aux CURSUS 1 et 2 de l’IRCAM.

Plusieurs de ses œuvres ont été interprétées dans son pays et en Europe. Il a également participé à différents Festivals dédiés à la musique contemporaine tels que INJUVE (2008), Acanthes (2009), l´Académie musicale de Villecroze (2011) et Darmstadt (2012). En 2010, il a participé en tant que compositeur résident au sixième Forum International des Jeunes Compositeurs organisé par l´Ensemble Aleph. En 2013, il est sélectionné en tant que finaliste au Prix Multimédia San Fedele 2013-2014 (Milan).

Benjamin Hackbarth © Liam Jamason

Trompettiste de formation, Benjamin Hackbarth commence sa formation à l’Eastman School of Music avant de faire l’essentiel de ses études de composition à l’université de Californie, San Diego, où il travaille auprès de Roger Reynolds, Philippe Manoury ou Chaya Czernowin, et obtient un Master’s degree et un Ph.D. C’est également à San Diego que Benjamin Hackbarth se forme à la musique électronique, avec Miller Puckette, Tom Erbe et F. Richard Moore. Benjamin Hackbarth est depuis un acteur résolu du développement des outils de l’informatique musicale. Affilié au Centre pour la recherche et l’informatique dans les arts (CRCA) et chercheur en arts sonores à CalIT2, il est également compositeur en résidence pour la recherche musicale et compositeur en recherche à l’Ircam en 2011-2012, période durant laquelle il s’associe aux recherches de l’institut autour des développements futurs de la synthèse sonore en temps réel.

Benjamin Hackbarth dirige aujourd’hui l’enseignement de la composition à l’université de Liverpool, où il écrit également de la musique instrumentale et électroacoustique. Outre son travail de compositeur pour la salle de concert, il collabore fréquemment avec des artistes issus d’autres disciplines pour créer des installations multimédias avec animations graphiques et sonores en temps réel et suivi de mouvement.

Arne Deforce © David Sameyn

Arne Deforce est connu pour ses interprétations passionnées et convaincantes de la musique contemporaine et expérimentale. Ses programmes inventifs témoignent d’une recherche de nouvelles formes d’expression musicales qui conduisent à la découverte de « l’autre » du violoncelle, d’une vision impartiale et créative et de l’écoute même. 
Il se concentre principalement sur le répertoire solo et de musique de chambre, avec une spécialisation dans les partitions soi-disant « injouables » mais bien « exécutables », comme dans les œuvres de Iannis Xenakis, Richard Barrett, John Cage, Brian Ferneyhough. 
Il est actif comme improvisateur avec électronique-live et performer mixed-media avec entre autres Peter Jacquemyn, Mikka Vaino, Phil Niblock, Visual Kitchen, et collabore avec le Centre Henri Pousseur Liège, l’Ircam Paris et le Grame Lyon. Arne Deforce est également actif au sein des ensembles Champ d’Action, Ictus et forme un duo avec les pianistes Daan Vandewalle et Yutaka Oya. Il a collaboré avec Jonathan Harvey, Hector Parra, Wolfgang Rihm et Helmut Lachenmann. Plusieurs compositeurs parmi lesquels Richard Barrett, Luc Brewaeys, Kee-Yong Chong, Raphael Cendo, Alvin Curran, Phil Niblock, Lorenzo Pagileï, Ruben Sverre Gjertsen, ont écrit des œuvres pour lui.

En 2002-2004, il a été artiste en résidence au Concertgebouw de Bruges. Entre 2005 et 2010, il a également été directeur artistique du Centre Henri Pousseur. Sa technique et son inventivité lui valent d’être l’invité des plus grands festivals (Ars Musica, Holland Festival, Agora Paris, Archipel Genève, Musica Strassbourg, Mito, Huddersfield Contemporary Music Festival, Amsterdamse Cellobiënale). Il a notamment joué comme soliste avec le BBC Scottish Symphony Orchestra, l’Orquesta de la Comunidad de Madrid, le Brussels Philharmonic, l’Ensemble Musik Fabrik et a collaboré avec des chefs comme Peter Eötvös, Martin Brabbins, James Wood, José Ramón Encinar, Michel Tabachnik.
 Sa discographie très remarquée, Jonathan Harvey (Megadisc), Giacinto Scelsi, Morton Feldman et de cette année-ci les œuvres complètes pour violoncelle solo « +1 » de Iannis Xenakis (Aeon), Phil Niblock (Touch), a obtenu l’intérêt international (Diapson d’or à 5 reprises, Coup de cœur Académie Charles Cros, Prix Caecilia 2012). Des nouveaux enregistrements avec des œuvres de Richard Barrett, Brian Ferneyhough et Luciano Berio sont en cours.

Arne Deforce enseigne la musique contemporaine, l’histoire de la musique et la musique de chambre au Conservatoire de Bruges. En 2012, Arne Deforce c’est gradué de l’Université de Leiden (en collaboration avec l’Orpheus Institute de Gand) avec un doctorat dans les arts sur la pratique de la performance de la musique complexe de la fin du XXe siècle, intitulé « LABORINTH Π – Penser et expérimentation: ‘472 Méditations sur la nécessité de la pensée créatrice et l’expérimentation dans l’exécution de musique complexe de 1962 à nos jours ».

Florent Boffard entre à l’âge de 12 ans au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans la classe d’Yvonne Loriod où il obtient son Premier Prix de Piano. Les années suivantes, il se voit décerner les Premiers Prix de Musique de Chambre (classe de Geneviève Joy), d’harmonie, de contrepoint et d’accompagnement.

Admis en cycle de perfectionnement dans la classe de Germaine Mounier, il obtient en 1982 le 1^er Prix du Concours International de piano « Claude Kahn » à Paris puis, en 1983, le Concours International de Piano « Vianna da Motta » à Lisbonne, récompense qui lui permet de jouer sous la direction de Leon Fleisher. Soliste à l’Ensemble Intercontemporain de 1988 à 1999, il a côtoyé les principaux compositeurs de notre temps et a effectué la création de pièces de Boulez, Donatoni, Ligeti…

Florent Boffard © Philippe Gontier

Sollicité en Angleterre, Allemagne, Autriche, Portugal, Italie, aux USA (New York et Washington), il s’est produit avec de nombreux orchestres dont l’Orchestre National de Lyon, l’Orchestre des Pays de la Loire, le Philharmonisches Orchester Freiburg… Et a joué sous la direction de Pierre Boulez, Simon Rattle, David Robertson…

Présent sur la scène des plus grands festivals internationaux (Salzbourg, Berlin, Aldeburgh, Bath, Bastad, Bruxelles, Kuhmo, Aspen, La Roque d’Anthéron…), Florent Boffard a enregistré plusieurs disques parmi lesquels : les Structures pour deux pianos de Pierre Boulez avec Pierre-Laurent Aimard (DG), la Sequenza IV pour piano de Luciano Berio (DG) et la 2^ème Sonate pour violon et piano de Bartok avec Isabelle Faust (Harmonia Mundi). Un disque consacré aux Etudes pour piano de Debussy et Bartok est également paru chez Harmonia Mundi. En 2001, la Fondation Forberg-Schneider (Münich) décerne à Florent Boffard son Prix Belmont pour son engagement dans la musique d’aujourd’hui.

Sa première collaboration avec Mirare a lieu en avril 2013 avec la parution d’un disque-DVD consacré à « L’œuvre pour piano » de Schoenberg. Enregistrement récompensé par « 5 Diapasons » dès sa sortie, et noté « Editor Choice » par le magazine Gramophone en septembre 2013.

Chef assistant de l’Ensemble intercontemporain depuis 2012, Julien Leroy s’inscrit dans la nouvelle génération des chefs d’orchestre français. En 2013-2014, il débute à la tête de l’Orchestre national de Lorraine, de l’Orchestre d’Auvergne et de l’Orchestre de chambre de Paris. Il dirige l’Ensemble intercontemporain à la Cité de la musique, au Théâtre des Bouffes du Nord, au Palais des beaux-arts de Bruxelles et en tournée au Mexique. Il est lauréat de la 4^e édition des Talents Adami Chefs d’orchestre 2014.

Depuis 2012, l’Académie du Festival de Lucerne invite Julien Leroy au titre de chef assistant de Pierre Boulez, Sir Simon Rattle et Esa-Pekka Salonen. Chef adjoint de l’Orchestre de la Cité internationale depuis 2006, il a dirigé, entre autres, l’Orchestre symphonique de Tokyo, l’Orchestre philharmonique A. Toscanini, l’Orchestre du festival de Verbier, les ensembles TM+ et Court-circuit…

Julien Leroy

Violoniste de formation, il se passionne très tôt pour la direction qu’il étudie auprès de K. von Abel, A. McDonnell, V. Gergiev, K. Masur, J. Panula et D. Harding, qu’il assiste occasionnellement. Il approfondit le répertoire contemporain auprès de L. Cuniot et J. Deroyer.
En 2009, lauréat du Young Artists Conducting Program du Centre national des arts d’Ottawa et sélectionné par l’Académie du Festival de Verbier, il est distingué par l’Honorable Mention Award du 15e Concours international de direction d’orchestre de Tokyo.
Il a également dirigé les orchestres des conservatoires de la Ville de Paris et les Orchestres de Jeunes A. Loewenguth.
Depuis 2010, il enseigne la direction d’orchestre au CRR de Metz.